Genesis
Genèse
Barber's Adagio for Strings originated as the second movement in his String Quartet No. 1, Op. 11, composed in 1936. Barber was spending a summer in Europe with his partner Gian Carlo Menotti, an Italian composer who was a fellow student at The Curtis Institute of Music; he composed the Adagio during this time.[1] In the original it follows a violently contrasting first movement, and is succeeded by a brief reprise of this music.
Adagio pour cordes de Barber origine comme le deuxième mouvement de son Quatuor à cordes n ° 1, op. 11, composé en 1936. Barber a passé un été en Europe avec son partenaire Gian Carlo Menotti, compositeur italien qui était un camarade d'études au Curtis Institute of Music. Il a composé l'Adagio cours de cette période [1] Dans l'original, il suit un mouvement violemment contrastée au premier , et est remplacé par une reprise rapide de cette musique.
In January 1938 Barber sent the piece to Arturo Toscanini. The conductor returned the score without comment, and Barber was annoyed and avoided the conductor. Subsequently Toscanini sent word through a friend that he was planning to perform the piece and had returned it simply because he had already memorized it. It was reported that Toscanini did not look at the music again until the day before the premiere. The work was given its first performance in a radio broadcast by Arturo Toscanini with the NBC Symphony Orchestra on November 5, 1938 in New York.
En Janvier 1938 Barber a envoyé la pièce à Arturo Toscanini. Le conducteur retourné le score sans commentaire, et Barber a été ennuyé et a évité le conducteur. Par la suite Toscanini fit dire par un ami qu'il avait l'intention de jouer la pièce et l'avait retourné simplement parce qu'il l'avait déjà mémorisé. Il a été signalé que Toscanini n'a pas regardé à nouveau la musique jusqu'à la veille de la première. Le travail a été donné sa première représentation à une émission de radio par Arturo Toscanini avec l'Orchestre symphonique de NBC le 5 Novembre 1938 à New York.
The composer also transcribed the piece in 1967 for eight-part choir, as a setting of the Agnus Dei ("Lamb of God").
Le compositeur a également transcrit la pièce en 1967 pour huit parties chœur, en tant que paramètre de l'Agnus Dei ("Agneau de Dieu").
Analysis
Analyse
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The piece uses an arch form, employing and then inverting, expanding, and varying a stepwise ascending melody. It is in the key of B-flat minor and is in 4/2 time, although the meter varies throughout.
La pièce utilise une forme d'arche, en employant et en inversant ensuite, en pleine expansion, et en faisant varier progressivement une mélodie ascendante. Il est dans la tonalité de si bémol mineur et est en 4/2 temps, bien que le compteur varie tout au long.
The long, flowing melodic line moves freely between the voices in the string choir; for example, the first section of the Adagio begins with the principal melodic cell played by first violins, but ends with its restatement by violas, transposed down a fifth. Violas continue with a variation on the melodic cell in the second section; the basses are silent for this and the next section. The expansive middle section begins with cellos playing the principal melodic cell in mezzo-soprano range; as the section builds, the string choir moves up the scale to their highest registers, culminating in a fortissimo-forte climax followed by sudden silence. A brief series of mournful chords serve as a harmonic transition to return to the tonic, reintroducing the bass section. The last section is a restatement of the original theme, with an inversion of the second piece of the melodic cell, played by first violins and violas in unison; the piece ends with first violins slowly restating the first five notes of the melody in alto register, holding the last note over a brief silence and a fading accompaniment.
La longue ligne mélodique qui coule se déplace librement entre les voix dans le chœur de chaîne, par exemple, la première section de l'Adagio commence par la cellule mélodique principale jouée par les premiers violons, mais se termine par sa reformulation par altos, transposée vers le bas d'un cinquième. Altos de continuer avec une variation sur la cellule mélodique dans la deuxième section, les basses sont silencieuses pour cette section et la suivante. La section médiane large commence par violoncelles jouant le principale cellule mélodique dans la mezzo-soprano gamme, comme la section construit, le chœur chaîne se déplace sur l'échelle de leurs plus hauts registres, aboutissant à un point culminant fortissimo-forte suivie d'un silence soudain. Une brève série d'accords plaintifs servir de transition harmonique pour revenir à la tonique, la réintroduction de la section basse. La dernière section est une reformulation du thème original, avec une inversion de la deuxième pièce de la cellule mélodique, jouée par les premiers violons et altos à l'unisson, le morceau se termine par les premiers violons lentement en retraitant les cinq premières notes de la mélodie dans alto registre , tenant la dernière note sur un bref silence et un accompagnement à la décoloration.